Il teatro è letteratura, poesia, storia, magia, costume, ma soprattutto è vita.
Ma come nasce l’amore per il teatro? Forse per il bisogno di vedersi vivere in personaggi, di entrare in un sogno, di vivere avventure irreali? Dove traggono la commedia, il dramma, la tragedia, quel misterioso incanto mistico e sublime? Dietro ai personaggi, alle grandi maschere di un mito ci vengono incontro creature, vive, vere, uguali a noi. Questa è la delizia del teatro.

L’amatore avverte la delicata metamorfosi, scorge il trapasso dalla condizione umana a quello della fantasia. Questi attori, uomini e donne, che si fanno un volto finto, realistico e fiabesco, sono propriamente il teatro. L’appassionato è al di là della ribalta con gli attori, indovina, intuisce, condivide l’atmosfera magica del palcoscenico. Il copione si trasforma in un grande affresco, una galleria di ritratti parlanti, un paesaggio dove la solitudine dell’uomo si ritrova stupita in un mondo di ninfe e di eroi. Il teatro è grande, così artefatto, così puro, così vasto e ardente e pieno di grande deità.

Il teatro è eterno anche se non dura più di una sera; appare e scompare e a velario chiuso non rimane nulla. Così nelle ultime scene dell’Amleto si infiammano abbaglianti tutte le vampe di un fuoco che sta per incenerirsi e in quel regale trionfo già la morte è pronta e già sul rantolo degli attori sta per calare il sipario. Quell’incendio, quegli attori, quei gridi, quella poesia, quella morte non li rivedremo più. Rimarranno solo le emozioni che sono rimaste dentro di noi. Questa è la meraviglia, questo è l’amore per il teatro.

Ambrogio Paolinelli

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L’attore si riscalda sul palcoscenico, scalda corpo e voce al ritmo del Sirtaki la danza greca che sostiene musicalmente lo spettacolo. Danza liberamente, lasciandosi andare alla musica, prova passi e movimenti diversi dal solito e occupa tutto lo spazio disponibile. Alla fine di questo training improvvisato si parte dall’inizio dello spettacolo, il Sirtaki, appunto, e si procede ripercorrendo il testo e le azioni decise fino a quel momento.

L’impegno più importante che l’attore deve portare a termine in questa fase del lavoro è, oltre a memorizzare sempre meglio il testo scritto, quello di trovare la sua autenticità sulla scena, dire e agire il testo con una presenza costante in relazione con il pubblico… che per il momento non c’è. L’attore ha una consegna: ogni volta che si accorge di perdere il contatto, la connessione diretta con il suo pubblico immaginario, di “recitare” solo per sé, deve fermarsi e ripetere la battuta nella giusta direzione che è quella di dire VERAMENTE quello che sta dicendo. In tarda mattinata prima della pausa facciamo una filata di tutto il testo, senza interruzione da parte del regista, che prende nota di quello che è sbagliato e delle correzioni da fare.

Pomeriggio h.14.30
Ripresa del lavoro, note. Il regista legge e ripercorre, con l’attore, le note prese durante la filata, si parla di come correggere, delle intenzioni che devono generare le battute e le azioni.

Finite le note il regista chiede all’attore dove ha incontrato e continua a incontrare difficoltà relative alle battute esatte da dire, all’azione da compiere, alle intenzioni che non si trovano ecc. insomma i momenti di défaillance. Si ripetono i pezzi e si cercano le soluzioni. Lavorando su singoli pezzi dello spettacolo, con un misurato lavoro di reinvenzione delle varie scene, improvvisando, abbiamo trovato piccole interessanti varianti, che hanno arricchito il lavoro. Questo esercizio si è protratto fino alla fine delle prove.